Instagram es una aplicación gratuita que te permite captar imágenes, retocarlas, y ponerlas "online" en cuestión de segundos.
-¿En qué consiste su sencillez y originalidad?
En que es una fusión de una red social donde subir las fotos que haces, y una aplicación fotográfica con filtros para personalizar las fotos.
-¿Cuál es su soporte material?
Los smartphones.
-Comenta la frase: "tuvimos algo de suerte , pero supimos buscarla"
Que Burbn (compañia de Systrom y Krieger) crearon una aplicación innovadora, algo que llamara la atención. La suerte llegó, cuando Facebook compró Instagram por 1000 millones de dólares, cuando su valor era de 500.
-¿Qué importancia tiene que se haya desarrollado en California?
En California está el Silicon Valley, lugar donde se desarrollan la mayoría de aparatos eléctronicos de Apple, Microsoft, etc.
-¿Por qué Facebook compra esta aplicación?
Para expandirse por los Smartphones, ya que Facebook tiene una presencia diminuta en los móviles en comparación con Instagram.
-¿Podría darse en Gijón , que unos jóvenes de 20 años crearan una aplicación como Instagram?
No, ya que son culturas diferentes. En EEUU , 7 de cada 10 personas crean alguna empresa en su vida, aquí somos más de "que lo hagan los demás", como decía Unamuno.
- ¿Fue solo una idea , o inversores apostaron por ella?
Una empresa no se crea sin inversores, sin el dinero de los inversores, Instagram nunca hubiera llegado a nuestros móviles.
-¿ qué ver el nombre de Instagram con sus características?
Instagram = Insta (ya que puedes subir las fotos al instante) + grab (de grabar)
- Comenta: "Con Instagram ves el mundo a través de los ojos de tus amigos"
Ya que puedes ver sus fotos, en el mismo instante en que las hacen.
-¿Cómo explicar el éxito de Instagram?
Una aplicación fácil de utilizar, intuitiva, y que une una aplicación de filtros, con una red social, como ya dije antes.
-¿Qué significa que estamos pasando del paradigma web al móvil?
Pues,con la invención de los Smartphones, que son "ordenadores portátiles con los que llamar" , es decir, es más sencillo conectarse desde una móvil que de un ordenador.
- ¿Ha pagado Facebook un excesivo precio por Instagram? ¿Qué papel juega la competencia?
Creo que no, ya que Instagram dará muchos beneficios a Facebook. Además, con esta compra, Facebook quita de en medio un competidor en el mercado de los Smartphones.
-¿ La conexión total nos aporta más de lo que nos quita?
- Usuarios extremos de la red recurren a ella para experimentar sentimientos en lugar de comunicarlos.
- Nos sentimos solos, pero nos asusta la intimidad.
- Internet provoca crisis de atención y concentración, inexistencia de profundidad intelectual, atrofia el cerebro ya que no se exprimen sus cualidades básicas.
Artículo de Vicente Verdú en El País, del que a continuación mencionaré sus ideas principales, junto con mi opinión personal sobre cada una de ellas:
- La imagen ha ganado terreno a la imaginación.
Opinión: Estoy de acuerdo con Verdú, por ejemplo, al ver una película osas mucho menos la imaginación, ya que expone más imágenes que no dan lugar a ella, que si lees un libro.
- La emoción ha robado prestigio a la reflexión.
Opinión: Utilizando como ejemplos los medios informativos, que abren su sección (en la televisión) con fútbol, que desata muchas emociones entre hinchas de el equipo del que se habla, en vez de empezar con las noticias realmente importante, como puedan ser el calentamiento global, o las múltiples guerras que hay por el mundo.
- La instantaneidad ha vencido al proceso y a la explicación.
Opinión: Estoy de acuerdo, el proceso ya no importa, o su explicación. Sólo importa el resultado, es decir, la gente sabe que ocurre cualquier hecho, pero no sabe por que.
- Comunicación fragmentaria, cambiante y removible, a la manera en que la cultura de consumo ha enseñado a adquirir.
Opinión: Estoy de acuerdo en que las conversaciones ahora son más efímeras, no con el objetivo de mantener una amistad o relación a largo plazo, sino una conversación para "pasar el rato". En cuanto a lo referente a la cultura de consumo, estoy aún más de acuerdo, ya que nos incita a consumir sin descanso, por tanto las conversaciones son efímeras e inútiles a largo plazo.
- Consumimos de cada persona lo que nos gusta y descartamos todo lo demás.
Opinión: En este apartado no tengo muy claro si estoy a favor o en contra.
- No una vinculación universal sino parcelada.
Opinión: De acuerdo. Como ya dije antes las relaciones son efímeras, con simple conversaciones anecdóticas, que no perdurarás en el tiempo.
Dentro del tema global del texto, me gustaría concretar mi reflexión en el abandono del libro, un hecho que se está agravando desde la aparición de Internet, o incluso, hace años, la Televisión. La publicidad sobre novedades en literatura son eclipsadas por estrenos de cine con campañas agresivas de publicidad en televisión.
Los medios audiovisuales, "lo dan todo hecho" , es decir, no dan lugar a la imaginación del espectador, que pasa de ser activa, a la pasividad de la imagen. En el mundo actual, si prefieres leer un libro, serás el friki del grupo, únicamente por ese hecho. La idea actual de lectura como un medio anticuado, una ardua tarea, poner la imaginación a funcionar, esto lo que hace es no estimularnos a crear, es como si por ejemplo, Mozart hubiera creado "La Flauta Mágica" sin haber escuchado nada de música, previamente, algo imposible.
Me gustaría centrarme ahora en la música en la actualidad ya que es un tema del que tengo más información y más conocimientos. La gente "normal" (entre comillas, ya que la idea de normalidad es muy subjetiva) quiere ritmos pegadizos, pocos cambios de estructura, es decir, "música de usar y tirar" , empleo este término, ya que es música que al cabo de 1 mes, más o menos, desaparece, nadie se acordará de ella.
Clásicos musicales, como el "Frampton Comes Alive" de 1973 (uno de mis discos favoritos) de Peter Frampton , o algo más reciente, el "Images And Words" de 1992 de mis queridos Dream Theater, son discos, que por la razón de innovar, de romper con lo establecido hace años, han pasado a la historia. No son discos muy fáciles de escuchar (sobre todo el de Dream Theater) para alguien no habituado ha esta música, pero, esto ya es un consejo personal, el esfuerzo vale la pena.
Ahora, si mencionas esos grupos, o algunos un poco más "heavy" como Meshuggah (estos ya son muy muy heavies) serás catalogado de raro, únicamente por promover un estilo de música diferente del habitual, de la música superficial. La intolerancia hacia lo que no se conoce o hacia un pensamiento diferente está demasiado a la orden del día, tememos a lo que no conocemos y lo criticamos.
En cuanto a la palabra Superficial; palabra que más miedo da a un artista antes de exponer su obra, tanto un cuadro como una canción o cualquier forma de arte. La superficialidad en la música, en temas importante como el amor, reduciéndolo a un sábado por la noche. Ésta es mi opinión, por supuesto criticable, muchas gracias por visitar mi blog, un saludo!
Guión: Horton Foote (basado en la novela de Harper Lee)
Música: Elmer Bernstein
Fotografía: Russell Harlan
Reparto: Gregory Peck, Mary Badham, Brock Peters, Phillip Alford, John Megna, Frank Overton, Robert Duvall.
Género: Drama
Sinopsis:Adaptación de la novela de Harper Lee. En la época de la Gran Depresión, en una población sureña. Atticus Finch es un abogado que defiende a un hombre negro acusado de haber violado a una mujer blanca. Aunque la inocencia del hombre resulta evidente, el veredicto del jurado es tan previsible que ningún abogado aceptaría el caso, excepto Atticus Finch, el hombre más respetable de la ciudad. Esto le genera enemistades, pero le otorga el respeto de sus dos hijos, huérfanos de madre.
-El Título
El título es una frase que le dijo a Atticus Finch su propio padre cuando le compró su primera escopeta, le dijo que nunca matara a un ruiseñor, y para mi , el título simboliza el pacifismo de Atticus Finch y su personalidad pacífica.
Un título alternativo podría ser uno donde se tenga más en cuenta el juicio, como por ejemplo, "Un fallo esperado".
-La Historia
Me ha gustado la historia, aunque la forma de relatarla peca de inocente en algunos casos, es decir, la elección de contar la historia desde el punto de vista de los niños no es algo que me haya gustado mucho. El género de esta película es drama. El espacio es un pueblo del sur de EEUU, en los años 30, con un racismo muy arraigado.
-Personajes
El protagonista es Atticus Finch, un abogado de unos 40 años, con 2 hijos y viudo. En cuanto a rasgos morales, es un avanzado a su tiempo, no es racista al contrario que sus vecinos. Un hombre nada violento, y que sabe dar ejemplo a sus hijos. Físicamente, es un hombre corpulento, ancho de espaldas.
Hay un antagonista , el padre de la mujer que acusa de violación a el hombre que defiende Atticus Finch,
Al protagonista le ayudan sus hijos, la gente de la misma raza que el acusado, su vecina y el sheriff de la ciudad. A él se opone casi todo el pueblo, ya que defiende a un hombre negro acusado de violación a una mujer blanca. Mi personaje favorito, y la mejor interpretación de la película, es Atticus Finch, un hombre justo, y nada violento. Gregory Peck hace el papel de su vida, una interpretación que pasará a la historia.
-Imágenes
Para mí la mejor escena de la película:
-Narración
La historia nos la cuenta la hija de Atticus Finch adulta, Scout. La historia es un gran flash back , ya que en la película Scout es todavía una niña. El ritmo de la película lo marcan las discusiones, no es una película repleta de acciones pero si de diálogos. El sentimiento que intenta transmitir es tristeza e injusticia, al ver como un hombre inocente es llevado a la cárcel, aunque antes de llegar a ella se haya intentado escapar, algo que no me acabo de creer, los policías le mataron sin que este intentara huir, pero esa es mi opinión personal.
-Imagen
Los planos que predominan en la película son los planos desde la perspectiva de los niños de acuerdo con quien narra la historia.
No se responder a las cuestiones sobre angulación y planos.
Producción: Les Films Ariane, Cristaldifilm, TFI films, RAI
Música: Ennio Morricone
Fotografía: Blasco Giurato
País: Italia
Reparto: Philippe Noiret, Jacques Perrin, Salvatore Cascio, Agnese Nano, Brigitte Fosey, Marco Leonardi...
-A.1. Acontecimientos sociales y políticos indicados:
Referencia a la 2ª Guerra Mundial donde muere el padre de Salvatore. A esto se hace referencia en el funeral del padre, y previamente cuando Salvatore quema la casa por culpa de las películas y éste le dice a su madre que papa jamás volverá.
La película recorre desde los años 50 hasta los años 70.
2. Películas (vistas por los espectadores del Cine Paradiso) :
a. Verso La Vita. Renoir 1936. b. La Tira Trema. Visconti 1948.
c. Charlot árbitro. 1914: película de Chaplin en la que todos los espectadores se reían con su humor absurdo.
d. Ana o el negro Zumbón. Silvana Mangano 1951.
e. Ulises. Mario Camerini 1955.
f. Cadenas. Raffaello Matarazzo 1950.
3. Carteles en la sala de proyección:
a. -Lo que el viento se llevo, Clark Gable y Vivien Leigh. 1939.
b. -Casablanca, Bogart y Ingrid Bergman.
c. -Gilda, Rita Haywoth. 1946
d. -Marilyn Monroe.
4. La interpreto como un culto al cine , como si Tornatore se hubiera criado con todas aquellas películas al igual que Salvatore. En esa escena hay actores famosísimos como Gary Cooper, Charles Chaplin, etc.
B.Cine y sociedad:
-1.¿Es el cine útil para comprender los cambios políticos y sociales de nuestro siglo?¿por qué?
Sí, en el cine se puede ver la evolución de la sociedad hasta la actualidad. En mi opinión, mediante el cine puedes expresar los problemas de una época, como en la película, donde varias veces se critica el problema de la censura en aquella época. La sociedad y el cine avanzan conjuntamente.
-2.¿Qué tipo de influencia tiene el cine en en la infancia del protagonista?
El cine le ha enseñado absolutamente todo, como por ejemplo Alfredo con sus frases de películas. Ésto hace que Toto crea que la vida es prácticamente una película, por ejemplo, cuando queda días y días frente al balcón de Elena.
-3. Es un cambio claro de la mentalidad actual, Salvatore se ha criado toda su vida con esas películas. Ahora se hacen películas casi específicas para los niños con una calidad bastante menor, salvo algunas excepciones.
-4.¿Qué causas originan la bancarrota del cine?
La televisión. En la actualidad y en un futuro, el cine seguirá teniendo mucho éxito pero para mi, "no hay color" entre verlo en el cine y la televisión.
-5.¿Es lo mismo ver una película en el cine que en la televisión?
Por supuesto que no, en el cine es como si estuvieras más "sumergido" en la película, además de mejor calidad de imagen y sonido.
-7.Diferencias entre público del Paradiso, y el público de un cine actual.
El público que ve películas en el Cine Paradiso salta, se mueve, grita, mientras que ahora el público del cine es más rígido, más serio.
-8.¿Qué efectos tiene el cine en el espectador?
Puede llegar a influir totalmente en la mentalidad del espectador, cambiando su modo de pensar y de vivir.
-9.¿Por qué vamos al cine?
Para "desconectarnos un rato del mundo real" y vivir una historia nueva. Claro que es una fábrica de sueños, pero el problema es que las películas que nosotros vemos son privadas, es decir son sueños hechos por una persona a su gusto.
-10. Alfredo le dice a Salvatore que se vaya ya que sino no tendría oportunidades de prosperar en la vida. Siente tristeza y ganas de volver a verla.
C. Opiniones:
-1. a. El título es un título simple. Yo no le veo mayor significado.
b. Título alternativo: La vida de Toto
-2. a. Me ha gustado muchísimo la película, consigue sumergirme en la vida de Toto, con la ayuda de esa banda sonora, que es la "guinda del pastel" un 10/10.
b. Género: Drama
-c. Salvatore decide marcharse para siempre, a petición de su amigo Alfredo, y solo vuelve para el funeral de su amigo.
Sí, si se que cuando vuelve al pueblo intenta rehacer su vida con Elena.
-3.a. Protagonista:
Salvatore: evoluciona desde su niñez hasta su vejez prácticamente. Su profesión al final de la obra se desconoce pero deja entrever que se ha convertido en un hombre importante en Roma. Físicamente es un hombre delgado y no muy alto.
-b. Relación con Alfredo:
Alfredo era su mejor amigo, su mentor en el mundo del cine y le enseño todo lo que sabe sobre ello. Nunca había visto una película en la que hubiera una relación tan estrecha entre un niño y un adulto.
-e. Mi personaje favorito es Alfredo.
Es un hombre que nunca ha tenido suerte pero que aún así sigue intentando ser feliz, además de ser una gran persona , y el mejor amigo de Toto.
4.b. La mejor imagen de la película para mí es la escena final en la que Salvatore ve la película hecha con los trozos de película desechados por culpa de la censura, un regalo de Alfredo.
D. Narración
1.La película la narra el propio Toto.
2.Es un continuo flash back hasta el entierro de Alfredo ya que está Salvatore en la cama rememorando su vida con Alfredo.
4.La última imagen es una obra maestra, un final abierto , pero a la vez cerrado. No lo se explicar.
5. Ritmo rápido ya que en 2 horas recorremos toda la vida de Toto.
6.La película intenta transmitir un sentimiento de tristeza pero a la vez alegría, es decir, con ese final, todos hemos llorado, pero a la vez te deja ese sentimiento de alegría.
E. Dirección
a. Imagen
2.3.La película se inicia con planos cortos que son los que predominan en la película dando sensación de cercanía y ayudando a la "inmersión" en la película.
8. Predomina la luz tonal, ya que la mayoría de las escenas de la película son al aire libre.
10.Se marcha en tren , pero vuelve en avión. A mi parecer esto hace ver el avance de la sociedad y del dinero que ahora tiene Salvatore.
11.12.La última secuencia, es un acierto. Un gran final para una gran película.
b. Sonido
-Escena de la bicicleta.
Transmite cercanía y alegría.
- Cuento del soldado y la princesa
Transmite el romanticismo necesario para esa historia y se corta de repente cuando Alfredo dice que el soldado se fue.
-Intentos de Salvatore por conseguir a Elena.
Tristeza.
En definitiva, una banda sonora increíble, una obra maestra del gran Ennio Morricone, que ya nos tiene acostumbrados a estas cosas. Para mí, lo mejor de la película sin dudarlo.
-Reparto:
Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Comingore, Ray Collins, Agnes Moorehead, Paul Stewart, Ruth Warrick, Erskine Sanford, William Alland, Alan Ladd.
-Productora:
RKO / Mercury Theatre Productions
- Premios: 1941: Oscar: Mejor guión original. 9 nominaciones
1941: National Board of Review: Mejor película
1941: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película
Contexto histórico y referencias de la película a la misma:
La película se sitúa después de la gran depresión de los años 30 , donde Kane cae en bancarrota y tiene que cerrar varios de sus periódicos ante la situación económica. En el contexto político, la película se sitúa en plena 2ª Guerra Mundial pero no se hace ninguna referencia ya que en territorio americano no hubo ninguna batalla o hecho significativo de ella.
Orson Welles:
George Orson Welles (1915 - 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense.
Es considerado uno de los artistas más versátiles del siglo XX en el campo del teatro, la radio y el cine, en los que tuvo excelentes resultados. Alcanzó el éxito a los veintitrés años gracias a la obra radiofónica The War of the Worlds,
que causó conmoción en los Estados Unidos cuando la gente que estaba
escuchando el programa pensó que era una verdadera invasión de
extraterrestres. Este sensacional debut le valió un contrato para tres
películas con el estudio cinematográfico RKO, que le otorgó libertad
absoluta en sus realizaciones. A pesar de estos beneficios, sólo uno de
sus proyectos previstos pudo ver la luz: Citizen Kane (1941), la película más exitosa de Welles.
En 1919 sus padres se separaron y Orson pasó a residir con su madre en Chicago, donde comenzó a introducirse en los círculos artísticos e intelectuales. El 10 de mayo de 1924, su madre murió repentinamente
a la edad de cuarenta y tres. Tras la pérdida de su madre Welles vuelve
a vivir con su padre y abandona para siempre su carrera musical.
El Dr. Maurice Bernstein,
un viejo amigo de la familia Welles y ex pretendiente de su difunta
madre, estimuló en el infante el amor por el teatro, dándole una
linterna mágica, un cuadro de pintura y un teatro de marionetas.
A la edad de diez años, mientras estudiaba su primaria en Madison
(Wisconsin), Welles se dedicó a ofrecer presentaciones escolares y
dirigió y protagonizó su primera representación teatral, "El extraño caso del doctor Jekyll y míster Hyde". Al poco tiempo ingresó en la Todd School de Illinois,
una escuela de vanguardia dirigida por el profesor Roger Hill, que en
numerosas ocasiones Welles citó como su mentor y la persona que le
suministró las ideas artísticas y literarias en las que fundamentó toda
su obra futura.
En 1931, a los 16 años, Welles comenzó a trabajar en el teatro en Dublín, Irlanda. Pronto se trasladó a Nueva York, donde debutó al año siguiente en Broadway con la representación de "Romeo y Julieta".
Fundó posteriormente la compañía de teatro Mercury Theatre, con la que obtuvo gran éxito. En 1938, junto con varios colegas de su compañía, representó por radio, en la cadena CBS, una adaptación de la obra de H. G. Wells "La guerra de los mundos". El realismo fue tal que la emisión causó auténtico pánico en Nueva Jersey,
donde, según la obra, estaba teniendo lugar la invasión de los
extraterrestres. Este episodio le dio fama mundial, lo que llevó a la RKO Pictures a contratarle en 1939 con plena libertad para escribir, producir y dirigir dos películas.
Hasta ese momento la experiencia de Welles como realizador
cinematrográfico había sido casi nula, por lo que comenzó a
interiorizarse de la técnica y del lenguaje del cine, contribuyendo
además con un estilo visual propio, inédito para la época, como el uso
del "documental" dentro de la propia historia. Tenía 24 años cuando
convenció al guionista Herman J. Mankiewicz para escribir una historia basada en la vida de William Randolph Hearst, magnate de la prensa, propietario de dos importantes periódicos.
Tras unos retoques que él mismo realizó en el guión, Welles dirigió la película bajo el título de "Citizen Kane". Hearst intentó prohibir la proyección, pero se estrenó en 1941 con gran éxito de crítica, aunque no de taquilla, debido a las trabas que tuvo en la distribución, promovidas por Hearst.
Para el guion de su segunda película, "The Magnificent Ambersons" (1942), Welles se basó en la novela "The magnificent Ambersons" de Booth Tarkington. La película reflejaba la vida de una familia norteamericana a
principios del siglo XX. El montaje final de Welles fue alterado por la
RKO hasta tal punto que el cineasta dijo que habían arruinado su obra.
Con "El extraño"
(1946) Welles se puso al frente de un proyecto en el que, como él mismo
reconoció, su implicación personal fue mínima. A pesar de todo demostró
que también sabía ser un eficaz artesano.
"La dama de Shanghái" (1948), con su apariencia de thriller al uso, y similar en varios aspectos al filme Vértigo
de Hitchcock (1958) trascendió los
límites del género y de un enrevesado argumento, para convertirse en una
tela de araña que atrapa al espectador con una rara fascinación. Se
recuerda especialmente la escena en la galería de los espejos.
Respecto a su vida personal:
-Welles estuvo casado con la actriz Rita Hayworth.
-Mantuvo además una amistad con el presidente mexicano, el general Manuel Ávila Camacho.
-Durante toda su vida tuvo un elevado ritmo de trabajo y muchos pleitos financieros, lo que a la larga le acarrearía la muerte.
-Era conocido su amor por España
por lo que rodó varias de sus películas en tierras españolas y cultivó
la amistad de figuras conocidas del mundo de los toros de la época, como
Antonio Ordóñez o Luis Miguel Dominguín.
-Welles murió de un ataque cardíaco en Los Ángeles en 1985. Sus cenizas fueron depositadas en el municipio malagueño de Ronda, en la finca de recreo de San Cayetano, propiedad de su amigo el matador de toros Antonio Ordóñez, según tal y como había expresado.
Sin embargo hay otras versiones en las cuales se dice que Orson Welles
no dejo testamento alguno donde expresara sus deseos luego de su muerte,
por lo cual su hija y esposa acordaron que sus cenizas sean esparcidas
en España, ya que concordaron que ese fue el lugar donde Welles se
sintio más feliz en el transcurso de su vida.
Guión de la película:
El guión fue hecho conjuntamente entre Herman J. Mankiewicz y el propio Welles. Se basa en la muerte de Kane y de como su última palabra antes de morir causa un gran "revuelo" por saber que significa. Esa última palabra es "Rosebud". El guión nos pone en la piel de un periodista ( al que nunca se le ve la cara para que nos sintamos más identificados) que trata de investigar el significado de esa palabra. Para ello , el periodista se entrevista con personas importantes de la vida de Kane como puede ser su segunda mujer , Susan alexander o su tutor el señor Thatcher.
Las innovaciones en guión son evidentes por ejemplos en la introducción de la película con un documental de la vida de Kane , y el un guión cerrado comienza con la valla de la casa de Kane y acaba igual.
Principales aportaciones de la película al lenguaje cinematográfico:
El filme marca un hito en la historia del cine. Técnicamente no inventó
nada, pero sí usó todos los recursos existentes hasta entonces de manera
magistral: uso de la profundidad de campo, seguramente influido por el realismo poético de franceses como Jean Renoir, fotografía en claroscuro y juegos de iluminación, herencia del expresionismo alemán
de principios del siglo, escenografías techadas nada comunes para la
época y notable uso de los movimientos de cámara y uso de grúas.
Pero también añadió algo absolutamente nuevo: la mirada personal del
autor, el director como un narrador omnisciente que quiere contar la
historia a su manera, valiéndose para ello de herramientas como el
picado y el contrapicado. De esta forma, por ejemplo, es capaz de
mostrar a Charles Foster Kane como un hombre lleno de poder. También
desarmó la cronología de la mayoría de las historias que eran
proyectadas en la pantalla grande, empezando la narración desde el
final.
Escena de la película:
Se trata de el momento en el que Kane muere con su bola de nieve en la mano. Esa bola simboliza la única época en la que fue féliz , su infancia con su madre, antes de ser adoptado por el señor Thatcher. esta bola fue lo único que Kane salvo de la habitación de Susan Alexander cuando esta le dejó. "Rosebud" al final era el nombre del trineo que usó durante su niñez en la pensión de su madre.
